en-fr  The Life and Art of Mark Rothko
L'art et la vie de Mark Rothko.

par Lisa Marder, mis à jour le 02 août 2017.

Mark Rothko (1903-1970), était l'un des membres du mouvement abstrait le mieux connu, principalement pour ses peintures pleines de couleurs. Ses fameuses signatures, grandes peintures colorées, étaient composées uniquement de grands bloques de couleurs flottantes et vibrantes, qui se connectent, engloutissent et transportent avec le spectateur vers un autre univers, une autre dimension, libérant l'esprit du confins du stress quotidien.

Ces peintures semblent rayonner de l'intérieur et paraissent presque vivre, respirer, interagir avec le spectateur, en créant un sens du sacré dans l'interaction , rappelant la relation du Moi et Toi décrite par le théologien Martin Bubber.

À propos de la relation de son œuvre au spectateur Rothko a écrit : " Une peinture vit par son expansion et par son acceleration dans l'œil du spectateur sensible. Elle meurt de la même symbolique. Il est donc risqué de l'envoyer dans le monde. Combien de fois doit-elle être dégradée par le regard incompréhensif et cruel du spectateur impotent. Il a dit aussi, je ne m'intéresse pas à la relation entre la forme et la couleur. La seule chose à laquelle je m'intéresse est l'expression des émotions humaines de base : la tragédie, l'extase, la destinée. "

Biographie.
Rokhto est né Marcus Rothkowitz le 25 septembre 1903 à Dvinsk, Russie. Il est arrivé aux États Unis en 1913 avec sa famille, installée à Portland, Oregon.

Son père mourut peu après l'arrivée de Markus à Portland, et, pour joindre les deux bouts, la famille travailla pour la fabrique de vêtements d'un cousin. Marcus était un excellent élève, et il fut initié aux arts et à la musique ces années-là, apprenant le dessin, la peinture, le piano et la mandoline. En grandissant, il s'est intéressé aux causes sociales libérales et aux politiques gauchisantes



En Septembre 1921, il entra à l'université de Yale, où il resta pendant deux ans. Il y étudia les arts libéraux et la science, co-fonda un quotidien libéral et subvint à ses besoins grâce à quelques métiers occasionnels, avant de quitter Yale en 1923 sans diplôme pour s'engager dans la vie d'artiste. ll s'installa à New York en 1925 et s'inscrivit à l' Art Students League où il fut initié par l'artiste Max weber et étudia sous les ordres d'Arshile Gorky à Parsons School of Design. Régulièrement, il revenait à Portland pour rendre visite à sa famille et s'était joint, certes une seule fois, à une compagnie d'acteurs. Son amour du théâtre et du drame continua à jouer un rôle important dans sa vie et son art. Il peignait des décors de théâtre et disait à propos de ses peintures : "Je pense à mes tableaux comme à un drame ; les formes dans mes toiles en sont les interprètes".

De 1929 à 1952, Rothko enseigna l'art aux enfants à la Center Academy du centre juif de Brooklyn. Il aimait enseigner aux enfants, trouvant que leurs réponses pures sans idées préconçues pour leur art l'aidaient à saisir l'essence même de l'émotion et de la forme dans ses propres oeuvres.

Sa première exposition personnelle a eu lieu en 1933 à la Contemporary Arts Gallery à New York. A cette époque, il peignait des paysages, des portraits, et des nus.

En 1935 Rothko se joignit à huit autres artistes, dont Adolph Gottlieb, pour constituer un groupe appelé Les Dix (bien qu'ils n'aient été que neuf), qui sous l'influence de l'impressionnisme, s'érigeait en protestation contre l'art communément exposé à l'époque. Les Dix devinrent plus célèbres à la suite de leur exposition " The Ten: Whitney Dissenters " ( les Dix : dissidents de Whitney), qui s'ouvrit à la Mercury Gallery trois jours après l'inauguration du Whitney Annual. L'objet de leur protestation était énoncé dans l'introduction au catalogue, qui les décrivait comme "expérimentateurs" et "fortement individualistes" et expliquait que le but de leur association était d'attirer l'attention sur l'Art américain qui n'était pas littéral, pas représentatif et préoccupé de chromatique locale, et non pas "contemporain seulement dans le sens strictement chronologique". Leur mission consistait "à protester contre l'équivalence réputée de la peinture Américaine et de la peinture littérale".

En 1945, Rothko se maria pour la seconde fois. Avec sa seconde épouse, Mary Alice Beistle, il eut deux enfants, Kathy Lynn en 1950 et Christopher en 1963.

Après quelques années sombres en tant qu'artiste, Rothko dans les années 1950 connut finalement la renommée, et en 1959, il bénéficia d'une grande exposition personnelle à New York au Musée d'Art Moderne. De 1958 à 1969, il travailla également sur trois grandes commandes : des peintures murales pour le Centre Holyoke à l'Université de Harvard ; des peintures monumentales pour le restaurant Four Seasons et Seagrams Building, tous deux à New York ; et des peintures pour la chapelle Rothko.

Rothko se suicida en 1970, à l'âge de 66 ans. Certains pensent que les peintures obscures et sombres qu'il a exécutées tard dans sa carrière, telles que celles de la chapelle Rothko, laissaient présager son suicide, tandis que d'autres considéraient ces oeuvres comme une ouverture de l'esprit et une invitation à une plus grande conscience spirituelle.

La chapelle Rothko.
Rothko fut chargé en 1964 par John et Dominique de Menil de créer un espace méditatif orné de ses peintures spécifiquement réalisées pour cet espace. La chapelle Rothko, conçue en collaboration avec les architectes Philip Johnson, Howard Barnstone et Eugene Aubry, a finalement été achevée en 1971, si bien que Rothko mort en 1970 n'a donc pas vu la construction finale. C'est un bâtiment irrégulier octogonal en briques qui détient quatorze des peintures murales de Rothko. Les toiles portant la signature de Rothko représentent des rectangles flottants bien qu'ils soient foncés — sept toiles avec des rectangles noirs aux bords durs sur un fond marron, et sept peintures de tonalité pourpre.

C'est une chapelle oecuménique que les personnes du monde entier viennent visiter. Selon le site Internet "The Rothko Chapel", la chapelle Rothko est un espace spirituel, un forum pour les dirigeants du monde, un lieu de solitude et de rencontre. C'est un épicentre pour les défenseurs des droits civiques, une perturbation tranquille, un calme émouvant. C'est une destination pour 90 000 personnes de toutes les religions et de toutes les parties du monde qui viennent la visiter chaque année. C'est là que se déroule l'Óscar Romero Award. La Chapelle Rothko est inscrite au Registre national des Monuments historiques.

Influences sur l'art de Rothko : Il y a eu de nombreuses influences sur l'art et la pensée de Rothko. En tant qu'étudiant du milieu à la fin des années 20, Rothko a été influencé par Max Weber, Arshile Gorky, et Milton Avery, de qui il a appris des façons très différentes d'appréhender la peinture Webber l'a initié au cubisme et à la peinture non représentative ; Gorky lui a enseigné le surréalisme, l'imagination et l'imagerie mythique ; et Milton Avery, avec lequel il restera ami pendant de nombreuses années, lui a appris l'usage des couches fines en aplat pour créer de la profondeur dans les rapports entre les couleurs.

Comme de nombreux artistes, Rothko a beaucoup admiré aussi les peintures de la Renaissance et la richesse de leurs nuances et leur luminosité intérieure obtenue par l'application des multiples couches de glacis de couleur.

Dans sa recherche artistique, il fut influencé par Goya, les impressionnistes, Matisse et Caspar Friedrich, entre autres.

Rothko a également étudié Friedrich Nietzsche, le philosophe allemand du 19ème siècle, et a lu son livre, The Birth of Tragedy (La naissance de la tragédie).

ll incorpora dans ses peintures la philosophie de Nietzsche de la lutte entre le dionysiaque et l'apollinien.

Rothko fut également influencé par Michel-Ange, Rembrandt, Goya, Turner, les impressionnistes, Caspar Friedrich, et aussi Matisse, Manet, Cézanne, pour n'en citer que quelques uns.

Années 40.
Les années 40 ont été pour Rothko une décennie importante pendant laquelle il apporta beaucoup de transformations à son style, dont émergèrent les classiques champs de couleur qu'on lui associe principalement. Selon son fils Christopher Rothko dans MARK ROTHKO, The Decisive Decade 1940-1950, Rothko avait cinq ou six styles différents durant cette décennie, chacun d'eux surpassant l'autre. Ces styles sont : 1- Figuratif (1923-40) ; 2- Surréaliste - Mythique (1940-43) ; 3- Surréaliste - Abstrait (1943-46); 4- Multiforme (1946-48) ; 5- Transitionnel (1948-49) ; 6- Classiques champs colorés (1949-70).

Une fois en 1940, Rothko peint son dernier tableau figuratif, il expérimente alors le surréalisme, et il supprime toutes suggestions figuratives dans ses peintures, les rendant abstraites, et les réduisant à des formes indéterminées flottant dans ses champs de couleur (multiformes comme elle ont été appelées par d'autres) qui étaient grandement influencées par le style pictural de Milton Avery. Les Multiformes sont les premières véritables abstractions de Rothko, alors que leur palette préfigure l'arrivée de la palette des tableaux de champs de couleur. Il clarifie alors son intention, élimine les formes, et commence ses tableaux de champs de couleur en 1949, utilisant la couleur de manière encore plus expressive pour créer des rectangles flottants monumentaux et pour communiquer une gamme d'émotion humaine à travers eux.

Peintures de champ de couleur.
Rothko est surtout connu pour ses peintures de champ de couleur, qu'il a commencé à peindre dans les années 40. Ces peintures étaient beaucoup plus grandes, et couvraient presque entièrement le mur du sol au plafond. Dans ces peintures il a utilisé la technique du trempage (soak-stain technique), développée initialement par Helen Frankenthaler. Il aurait appliqué de fines couches de peinture sur la toile pour créer deux ou trois rectangles lumineux abstraits aux bords flous.

Rothko disait que ces peintures étaient grandes afin que le spectateur prenne part à l'expérience plutôt que d'être séparé de la peinture. Il préférait en fait que ses peintures soient exposées ensemble dans une seule salle, pour un plus gros impact en étant immergé ou enveloppé par les peintures, plutôt que de les séparer par d'autres oeuvres. Il disait que les peintures étaient monumentales, non pour être grandioses, mais en fait, pour être plus " intimes et humaines". Selon la Phillips Gallery à Washington D C, « Ses grandes toiles, typiques de son style ayant atteint sa plénitude, établissent un rapport intime avec le spectateur, donnant une dimension humaine à l'expérience de la peinture et intensifiant les effets de la couleur. En conséquence, les peintures engendrent chez l'observateur attentif une sensation immatérielle et un état de contemplation spirituelle. Par la couleur uniquement - appliquée en des rectangles suspendus dans des compositions abstraites - l'œuvre de Rothko évoque des émotions fortes, allant de l'exubérance et de l'émerveillement au désespoir et à l'anxiété, suggérées par le caractère flottant et indéfini de ses formes.»

En 1960, la Phillips Gallery a construit une salle particulière consacrée à l'exposition des œuvres de Mark Rothko, appelée The Rothko Room. Elle présentait quatre peintures de l'artiste, une peinture sur chaque mur de cette petite salle, donnant libre cours à la méditation.

Rothko a cessé d'attribuer à ses oeuvres des titres conventionnels dans les années 1940, préférant plutôt les différencier par la couleur ou le numéro. Autant, tout au long de sa vie, il a écrit sur l'art comme dans son livre The Artist's Réalité (la réalité de l'artiste) : Philosophies de l'Art, écrit vers 1940-41, autant, il a cessé progressivement d'expliquer le sens de son travail avec ses toiles de champs colorés, affirmant que "Le Silence est si précis".

C'est l'essence de la relation entre le spectateur et la peinture qui est importante, pas les mots qui la décrivent. Les peintures de Mark Rothko doivent être ressenties personnellement pour être vraiment appréciées.

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It dies by the same token.
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It is therefore risky to send it out into the world.
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The only thing I care about is the expression of man's basic emotions: tragedy, ecstasy, destiny.
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Biography.
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Rothko was born Marcus Rothkowitz on September 25, 1903 in Dvinsk, Russia.
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He came to the United States in 1913 with his family, settling in Portland, Oregon.
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As he grew older he became interested in socially liberal causes and leftist politics.
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In September 1921 he attended Yale University, where he stayed for two years.
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His love of theater and drama continued to play an important role in his life and art.
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From 1929-1952 Rothko taught children art at the Center Academy, Brooklyn Jewish Center.
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His first one-person show was in 1933 at the Contemporary Arts Gallery in New York.
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At the time, his paintings consisted of landscapes, portraits, and nudes.
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In 1945 Rothko married for the second time.
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Rothko committed suicide at the age of 66 in 1970.
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The Rothko Chapel.
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It is an irregular octagonal brick building that holds fourteen of Rothko's mural paintings.
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It is an interfaith chapel that people visit from all over the world.
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It’s an epicenter for civil rights activists, a quiet disruption, a stillness that moves.
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It is the home of the Óscar Romero Award."
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The Rothko Chapel is on the National Register of Historic Places.
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Influences on Rothko's Art There were a number of influences on Rothko's art and thought.
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1940s.
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Color Field Paintings.
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Rothko is most well-known for his color field paintings, which he began painting in the late 1940s.
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These paintings were much larger paintings, almost filling up an entire wall from floor to ceiling.
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In these paintings he used the soak-stain technique, initially developed by Helen Frankenthaler.
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Mark Rothko's paintings have to be experienced in person to be truly appreciated.
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The Life and Art of Mark Rothko.

by Lisa Marder
Updated August 02, 2017.

Mark Rothko (1903-1970) was one of the most well-known members of the Abstract Expressionist movement, known primarily for his color-field paintings. His famous signature large-scale color-field paintings, consisting solely of large rectangular blocks of floating, pulsing color, engulf, connect with, and transport the viewer to another realm, another dimension, freeing the spirit from the confines of everyday stress.

These paintings often glow from within and seem almost alive, breathing, interacting with the viewer in silent dialogue, creating a sense of the sacred in the interaction, reminiscent of the I-Thou relationship described by renowned theologian Martin Buber.

About the relationship of his work to the viewer Rothko said, “A picture lives by companionship, expanding and quickening in the eyes of the sensitive observer. It dies by the same token. It is therefore risky to send it out into the world. How often it must be impaired by the eyes of the unfeeling and the cruelty of the impotent.” He also said, 'I am not interested in the relationship between form and colour. The only thing I care about is the expression of man's basic emotions: tragedy, ecstasy, destiny.

Biography.
Rothko was born Marcus Rothkowitz on September 25, 1903 in Dvinsk, Russia. He came to the United States in 1913 with his family, settling in Portland, Oregon.

His father died soon after Marcus arrived in Portland and the family worked for a cousins' clothing company to make ends meet. Marcus was an excellent student, and was exposed to the arts and music during these years, learning to draw and paint, and to play the mandolin and piano. As he grew older he became interested in socially liberal causes and leftist politics.

In September 1921 he attended Yale University, where he stayed for two years. He studied liberal arts and science, cofounded a liberal daily newspaper, and supported himself with odd jobs before leaving Yale in 1923 without graduating to commit himself to life as an artist. He settled in New York City in 1925 and enrolled at the Arts Students League where he was taught by the artist, Max Weber, and Parsons School of Design where he studied under Arshile Gorky. He returned to Portland periodically to visit his family and joined an acting company while there one time. His love of theater and drama continued to play an important role in his life and art. He painted stage sets, and said about about his paintings, "I think of my pictures as drama; the shapes in my pictures are the performers."

From 1929-1952 Rothko taught children art at the Center Academy, Brooklyn Jewish Center. He liked teaching children, feeling that their pure unfiltered responses to their art helped him to capture the essence of emotion and form in his own work.

His first one-person show was in 1933 at the Contemporary Arts Gallery in New York. At the time, his paintings consisted of landscapes, portraits, and nudes.

In 1935 Rothko joined with eight other artists, including Adolph Gottlieb, to form a group called The Ten (although there were only nine), who, influenced by Impressionism, formed in protest to the art that was typically being exhibited at the time. The Ten became most well-known for their exhibit,"The Ten: Whitney Dissenters," which opened at the Mercury Galleries three days after the opening of the Whitney Annual. The purpose of their protest was stated in the introduction to the catalogue, which described them as "experimenters" and "strongly individualistic" and explained that the purpose of their association was to call attention to American art that was not literal, not representational and preoccupied with local color, and not "contemporary only in the strictly chronological sense." Their mission was "to protest against the reputed equivalence of American painting and literal painting."

In 1945 Rothko married for the second time. With his second wife, Mary Alice Beistle, he had two children, Kathy Lynn in 1950, and Christopher in 1963.

After many years of obscurity as an artist, the 1950s finally brought Rothko acclaim and in 1959 Rothko had a major one-man exhibit in New York at the Museum of Modern Art. He was also working on three major commissions during the years 1958 to 1969: murals for the Holyoke Center at Harvard University; monumental paintings for the Four Seasons Restaurant and Seagrams Building, both in New York; and paintings for the Rothko Chapel.

Rothko committed suicide at the age of 66 in 1970. Some think that the dark and somber paintings that he did late in his career, such as those for the Rothko Chapel, foreshadow his suicide, whereas others consider those works an opening up of the spirit and an invitation into greater spiritual awareness.

The Rothko Chapel.
Rothko was commissioned in 1964 by John and Dominique de Menial to create a meditative space filled with his paintings created specifically for the space. The Rothko Chapel, designed in collaboration with architects Philip Johnson, Howard Barnstone, and Eugene Aubry, was ultimately completed in 1971, although Rothko died in 1970 so did not see the final building. It is an irregular octagonal brick building that holds fourteen of Rothko's mural paintings. The paintings are Rothko's signature floating rectangles, although they are darkly hued - seven canvases with hard-edged black rectangles on maroon ground, and seven purple tonal paintings.

It is an interfaith chapel that people visit from all over the world. According to The Rothko Chapel website,"The Rothko Chapel is a spiritual space, a forum for world leaders, a place for solitude and gathering. It’s an epicenter for civil rights activists, a quiet disruption, a stillness that moves. It’s a destination for the 90,000 people of all faiths who visit each year from all parts of the world. It is the home of the Óscar Romero Award." The Rothko Chapel is on the National Register of Historic Places.

Influences on Rothko's Art
There were a number of influences on Rothko's art and thought. As a student in the mid to late 1920s Rothko was influenced by Max Weber, Arshile Gorky, and Milton Avery, from whom he learned very different ways of approaching painting. Weber taught him about Cubism and non-representational painting; Gorky taught him about Surrealism, the imagination, and mythic imagery; and Milton Avery, with whom he was good friends for many years, taught him about using thin layers of flat color to create depth through color relationships.

Like many artists, Rothko also greatly admired Renaissance paintings and their richness of hue and apparent inner glow achieved through the application of multiple layers of thin glazes of color.

As a man of learning, other influences included Goya, Turner, the Impressionists, Matisse, Caspar Friedrich, and others.

Rothko also studied Friedrich Nietzsche, the 19th century German philosopher, and read his book, The Birth of Tragedy.

He incorporated in his paintings Nietzsche's philosophy of the struggle between the Dionysian and Apollonian.

Rothko was also influenced by Michelangelo, Rembrandt, Goya, Turner, the Impressionists, Caspar Friedrich, and Matisse, Manet, Cezanne, to name but a few.

1940s.
The 1940s was an important decade for Rothko, one in which he went through many transformations in style, emerging from it with the classic colorfield paintings that are primarily associated with him. According to his son, Christopher Rothko in MARK ROTHKO, The Decisive Decade 1940-1950, Rothko had five or six different styles in this decade, each one an outgrowth of the preceding one. They are: 1- Figurative (1923-40); 2- Surrealist - Myth-based (1940-43); 3- Surrealist - Abstracted (1943-46); 4- Multiform (1946-48); 5- Transitional (1948-49); 6- Classic/Colorfield (1949-70)."

Sometime in 1940 Rothko makes his last figurative painting, then experiments with Surrealism, and eventually does away entirely with any figural suggestion in his paintings, abstracting them further and paring them down to indeterminate shapes floating in fields of color - Multiforms as they were called by others - which were greatly influenced by Milton Avery's style of painting. The Multiforms are Rothko's first true abstractions, while their palette foreshadows the palette of the color field paintings to come. He clarifies his intention further, eliminating shapes, and begins his color field paintings in 1949, using color even more expressively to create monumental floating rectangles and to communicate the range of human emotion within them.

Color Field Paintings.
Rothko is most well-known for his color field paintings, which he began painting in the late 1940s. These paintings were much larger paintings, almost filling up an entire wall from floor to ceiling. In these paintings he used the soak-stain technique, initially developed by Helen Frankenthaler. He would apply layers of thinned paint onto the canvas to create two or three luminous abstract soft-edged rectangles.

Rothko said that his paintings were large in order to make the viewer part of the experience rather than separate from the painting. In fact, he preferred to have his paintings shown together in an exhibit in order to create a greater impact of being contained or enveloped by the paintings, rather than broken up by other artworks. He said that the paintings were monumentalnot to be "grandiose", but in fact, to be more "intimate and human." According to the Phillips Gallery in Washington, D C, "His large canvases, typical of his mature style, establish a one-on-one correspondence with the viewer, giving human scale to the experience of the painting and intensifying the effects of color. As a result, the paintings produce in the responsive viewer a sense of the ethereal and a state of spiritual contemplation. Through color alone—applied to suspended rectangles within abstract compositions—Rothko's work evokes strong emotions ranging from exuberance and awe to despair and anxiety, suggested by the hovering and indeterminate nature of his forms."

In 1960 the Phillips Gallery built a special room dedicated to displaying Mark Rothko's painting, called The Rothko Room. It contains four paintings by the artist, one painting on each wall of a small room, giving the space a meditative quality.

Rothko stopped giving his works conventional titlesin the late 1940s, preferring instead to differentiate them by color or number. As much as he wrote about art during his lifetime, as in his book, The Artist's Reality: Philosophies on Art, written about 1940-41, he began to stop explaining the meaning of his work with his color field paintings, claiming that "Silence is so accurate."

It is the essence of the relationship between the viewer and the painting that is important, not the words that describe it. Mark Rothko's paintings have to be experienced in person to be truly appreciated.

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